服装表演：基本概念解析

18 世纪在法国巴黎的文化沙龙有了时装表演的雏形后，19 世纪初期在美国纽约的埃尔利希兄弟（Ehrlich Brothers）、瓦纳梅克（Wanamaker's）和费拉德尔菲亚（Philadelphia）等百货商场也开始了小规模的时装表演的促销活动，而比较成规模的时装表演要追溯到1914 年由美国芝加哥服装业制造协会（Association of Garments Industry Chicago）主办的一场由100 多名模特在一个宽70 英尺、长100 英尺的舞台上展示了250 套服装，并且连续演出了9 场，观众达5000多人。这次活动不仅奠定了规模性服装表演的历史，也推出了T 型舞台的概念，同时也为当今各大时装周的诞生和发展奠定了基础。

时装表演至今已经有了100 多年的历史，不管其表演形式或者表演规模发生了什么样的变化，但无不为了一个目标——服装品牌的促销和推广，因此，我们把服装表演定义为：通过模特在特定舞台上的表演来达到服装品牌促销和推广的目的。

从另一个角度来看，就像画家要办画展、音乐家要开音乐会一样，一位成熟和成功的设计师要通过时装表演以最完美的方式、最理想的模特向大众展示自己的作品，向人们展示他们的才华以及对生活方式的态度，最终达到购买其产品的目的。(www.xing528.com)

设计师的作品是原创，而时装表演则是通过音乐、特定空间以及模特的肢体表达对设计师作品的再创作。同一套摆放在人台上的时装作品，让其穿在有肢体表现的模特身上并在特定的舞台和音乐伴随中，对这一时装作品有着颠覆性的表达效果。就像阅读电影剧本和观看电影作品一样，剧本虽然提供了故事的背景和人物，但需要人们跟着剧本的文字在想象中体会作者的情感，而电影导演则是根据剧本的内容，以直观的、带有声光电、场景以及人物的表演的形式直接地交代给观众。我们把设计师比喻为电影剧本作者，他们提供了诸如材料、色彩和款型的基本设计元素，而服装的功能毕竟是穿着在人的身上才是最终目的，而时装表演正是把设计师静态的作品通过环境、音乐、灯光和模特的表演来完成其最终的设计效果。

既然把时装表演的艺术范畴定义为“再创作艺术”一类，因此时装表演所涉及的诸如舞美、音乐、模特、视觉等相关创作不是表现时装表演导演的情感，而是要利用可操作的相关手段和技能来表现设计师的情感、呈现设计师作品的内涵。