钢琴演奏目标与任务：技巧与素养培养研究

（一）初级阶段演奏目标与任务

初级阶段指，从完全不会弹奏钢琴到掌握车尔尼练习曲Op.849相应程度的钢琴演奏技术，也就是钢琴演奏的初级技术阶段。初级阶段中又包括启蒙阶段与演奏的初级阶段。启蒙阶段的目标是培养钢琴演奏兴趣，建立对音高、和声、调性及钢琴音响特征的相关听觉认知，熟知音乐理论知识和钢琴键盘，掌握钢琴弹奏基本规范。

这里提出的关于兴趣的追求更多针对低龄儿童，而对于已经有明确志向的学习者则无须刻意培养。还有一点值得提出和考虑的是，如果确实是这个行业的“适合者”或者说这个专长的“擅长者"，是完全不需要为了培养和建立兴趣而费力的；在音高、和声、调性及钢琴音响特征的听觉认知方面也同样如此。

钢琴弹奏基本规范包含钢琴弹奏的坐势、手型、指序、基本演奏法。有两点须引以重视：第一，传统用以手臂放松和手指支撑的练习—自手臂发力的自然下落3指触键，应与3指、2指配合的小连线落提练习穿插进行，也就是断奏与连奏应同步涉入；第二，1指在中央C开始的白键五指位置，应与2、3.4指在升F、升G、升A上的黑键五指位置（1指在E.5指在升B）同步练习。

初级阶段的基础性目标是，对简易作品的音乐理解与表现；对音调、节奏、力度、速度的感知与清晰表达；对旋律、伴奏之间不同音色的控制；手指运动中的独立性、灵活性；多声部听觉与复调逻辑思维。

演奏者对音乐的理解与表现是不分学习阶段和程度水平高低的，不论何时何地都应以此为演奏的宗旨，所以在学习的最初阶段就需要重视对弹奏作品的理解与表现，哪怕仅仅两个或四个乐句的简易作品，也必须知道自己在弹奏一种什么样的音乐，他是一个什么样的人创作的、它的基本情绪、节奏特点、音型特点或者一些抽象的特点，演奏者必须在学习的一开始就习惯去阅读乐谱，然后结合自己的想象力去理解音乐。所以从这个角度来说，在弹大量练习曲的同时，最好适量涉入一些风格各异、特征鲜明的小型乐曲。

对音调、节奏、力度、速度的感知与准确清晰地表达是演奏活动的基本任务，这涉及一个庞大的训练体系范畴，而初级阶段的学习正是这个体系中最底层、最广泛、又需要最清晰和牢固的部分。奏鸣曲式作为一个严谨而内容丰富的大型曲式，是对以上要素进行综合训练的十分适宜的作品形式，初级阶段可用小奏鸣曲或较简易奏鸣曲的部分乐章选段。

对于以上要素的清晰表达，又涉及各个方面的技术实践问题。音调的表达首先要懂得句法的处理，演奏者必须知道如何进入和离开一句话，如何表现出句子中高高低低的音调曲线，如何体现出一句话的中心。如同朗诵一样，不是会认字、会讲话了就会朗诵，不是会认音会弹音了就能弹出美妙的（或只是正确进行的）音调。从操作层面而言，这需要专门的旋律技术，主要涉及奏法、触键、气息的控制。而节奏的清晰准确的表达往往也是直至中、高级阶段都不太尽人意的一个方面，它首先需要良好的内心节奏感，而这属于演奏者自然条件的范畴。然后由于演奏者的感性特质，对节奏这样一个数理性的对象，常常有不自觉的或自觉的干预。所以从作品的角度来说，就可能导致不够清晰和准确的表达。力度表现也涉及奏法与触键的问题，也就是说即使演奏者内心有预设的音响强度，但也许因为奏法和触键的技术问题而不能达到。所以对奏法及触键方式的掌握、合理选择都是初级阶段学习中十分重要的。在速度的准确表达上，既有自然条件、内心因素的控制，又有实践操作、手指技术的约束。也就是说，首先演奏者对速度的感知很大程度上作用了对速度的表现，例如在激烈的、热情的情绪变化与加快弹奏的速度变化之间产生了某种联觉反应，事实上也确实有很多作品中作曲家通过标记要求达到这种效果，但并不能将其运用到普遍规则中。所以，可以说情绪越不稳定、内在体验越丰富的演奏者越不容易感知到速度的变化，而反之则容易从内心听觉上达到速度的统一、稳定。再从实践操作、手指技术的层面说，在困难片段，速度降低是比较普遍的问题，这纯粹是手指独立性、灵活性的约束。手指的运动能力有相当大一部分属于自然条件范畴，如同体育运动一样，关节的灵活性、肌腱的发达与柔韧性都是在手指运动中占有决定性优势的自然条件。当然科学的方法与后天的练习也是必不可少的，不然就没有所谓的技术理论与技术训练了最后，关于多声部的听觉与音色处理同样是初学阶段就必须涉及的。

多声部音响是钢琴的一个优势性能，十个手指在钢琴键盘上可以同时做出各式各样的音响效果，所以钢琴作品都是多声织体，最简单的也有单音旋律与伴奏组成的两个声部。由于声部各自的不同功能，所以弹奏时需以不同的音响予以表达，从听觉上的感知到手指上的处理，都是初学阶段必须解决的任务，它与手指独立性、灵活性的训练是融为一体的，也就是说不论哪种手指的技能最终都是为了表现音乐的特征。不要孤立地先追求技术，而是通过对不同音乐效果的表达来检验技术、提高技术，以达到准确表达音乐的目的。复调的演奏在手指操控层面上即属于多声部音乐技巧，复调在听觉和思维层面上更为复杂，因为它没有旋律与伴奏的主次之分，而是若干相等地位的声部按照一定的逻辑组织同时进行。所以在手指上的控制之前，首先要有思维上的严密性和逻辑性。虽然对于年龄较小的演奏者较难，但不失为一种脑力开发的有效手段。复调演奏在整个学习钢琴演奏的各级阶段都是最难的技术类型，所以任何类型的曲目若在特定情况下作拔高选择，复调作品的选择都不可以高于演奏者实际程度水平的基准，鉴于此，初学阶段更是要做好复调技术的基础训练可以说，钢琴演奏所需的每一种素养、能力与技术，其形成、培养和训练都是从初级阶段开始。在钢琴演奏的学习上并没有专业与业余之分，任何一种有目的的学习，在条件允许的情况下，学习过程本身都应是系统和规范的，系统和规范应在最初的学习就引以重视。从严格意义上来说，钢琴演奏初学阶段就是最难的一个阶段，因为它既要全面、又要扎实，如果觉得简单那必然是失掉了其中一部分。所以，初学阶段不可以急功近利，需尽可能深透地、细致地、反复巩固地去经历、充实这个阶段。

（二）中级阶段演奏目标与任务

中级阶段指，车尔尼练习曲Op.299至莫什科夫斯基练习曲相应程度的钢琴演奏技术阶段。中级阶段的目标基本可谓在初级阶段各项指标上的进一步提高、完善与成熟。不过，还有一项新涉及的内容，就是踏板技术的应用。踏板技术是钢琴演奏技术中一项需要系统学习和讨论的十分复杂的专题。因为现代钢琴有三个不同功能的踏板，每个踏板都有一套使用规范和技术方法，以及一些更高层次的技巧要领。演奏者必须认识到踏板技术是与手指弹奏技术同等重要的技术，并且它是可以使手指弹奏得以升华的一门艺术。在钢琴演奏中级阶段，演奏者必须较好地掌握使用右踏板（制音器踏板）的方法与技巧，包括最主要的两种形式—直踏板和跟随踏板，并且能根据所弹奏作品的流派、体裁及风格，按照一定的踏板运用原则合理地进行选择和使用。

关于手指技术方面，首先从技巧形式来说，这个阶段应达到流畅、均匀、清晰的音阶、琶音及相关变体的单音音群跑动技术；基于曲目要求速度下的三度、六度、八度的双音技术，包括同音重复及走句；快速轮指及各式装饰音技术；大跨度伸张及手位灵活转换技术；经过音技术；分解和弦技术，包括全分解的琶音音型和半分解的低音加和声音程（或和弦）音型，其中需要特别重视开阔音程空间的琶音音型要奏得平滑、连贯、均匀，低音加和声音程的音型要注意低音与上方音程的音响层次关系，以及它们这种关系在整个作品中的保持。因为分解和弦多为伴奏音型，而常常容易在演奏中忽略对伴奏声部的仔细倾听。(www.xing528.com)

然后再从技术类别来说，这个阶段应掌握歌唱性连奏及颗粒性连奏技术；各关节部位主导的断奏技术；不同等级力度的控制技术；不同速度、力度、高度和角度的触键技术。歌唱性连奏从严格意义上来讲是违反钢琴音响本质的，所以它是一种较难的演奏技术。歌唱性连奏既是一种旋律技术，也是一种织体技术，它最关键的技巧要领在于改变触键的速度与角度，再辅以手腕、臂的协调，以使一串音产生更显著的平滑无痕的线性进展趋势。而各关节部位的断奏技术，从技术本身而言并不难，倒是关于哪些情况下选择运用哪个关节部位的断奏，需要仔细研究、认真对待。一般原则是根据音符时值长短、作品时代流派、速度和力度要求而定，但问题就在于有时对于这些因素的界定因缺乏一个绝对的标准而显得比较模糊。尤其是在时代流派这一点上，可以说越久远的作品越难于判断其确切的奏法，因这当中的混淆因素太多，乐器性能的差异、审美趣味的差异，这些属于每个时代自身的成分很难被完全地模仿，更不可能还原，所以只能在一种对完好听觉样式的追求下尽可能体现那个历史时期的音乐演奏风格个性，在这种前提下去选择合适的奏法。而不同部位主导的断奏（包括非连奏、连断奏、跳奏）只是一个粗略的、大体的划分，这种划分并不能解决同速度下巴赫的十六分音符与莫扎特的十六分音符的非连音奏法区别，因为这种区别需要在清晰的认识前提下，由灵敏的、非常细化的触键技巧来调控。

所以，中级阶段对奏法及触键的要求更加系统、具体、深入，而且它的运用是建立在对钢琴演奏艺术发展与钢琴作品文献的全面了解和深透研究的基础上。

从整体能力而言，中级阶段仍然是在音调、节奏、力度、速度的听觉感知与手指清晰表达上进一步提高。只是这个阶段由于演奏者音乐知识的全面完善及所涉及作品的创作技法的更加丰富（较初级阶段），应该更重视乐谱的分析，尤其是和声的分析。因为和声是一个作品的内在结构骨架，是它的富有逻辑地进行与变化，推动乐曲的流动与发展。然而很多这个阶段的学习者并不十分注重和声的分析与倾听，这对于理解作品、认识作品是十分不利的，对于诠释作品，尤其是记忆作品更是不够科学和有效，甚至形成较大的阻碍。

（三）高级阶段演奏目标与任务

高级阶段当然是建立于中级阶段之上，它的起点很明显，但是终止点似乎无法以哪套作品及其相应技术程度来界定。因为钢琴演奏作为一种艺术表演形式，在技艺高度的追求上应该是永无止境的，钢琴演奏者的一生都是学习过程，即使到了职业演奏家的程度，每一次表演创作也都是一次新的学习和挑战。

当然，可以列入钢琴演奏高级阶段的演奏曲目是十分清楚的，从这个角度说，我们也就能明确这个阶段的演奏目标与任务了，因为它基本上就是这些曲目的演奏要求。如进行归纳的话，高级阶段的演奏目标分为四个层次—以绝对的准确性呈现完美的外部形式；用全面、完善的技巧客观地表达音乐的内容；以成熟的技艺和丰富的经验表达作品（或作曲家）的精神内涵及风格特征；演奏曲目量的积累和丰富。

从肖邦练习曲开始，已经进入技术与音乐有机融合的阶段，以技术承载音乐，这需要演奏者有清晰的音乐感知以及可供音乐表达的全面的技术。首先，技术与音乐的平衡就是一大难点，很多情况是演奏者要么有发达的、灵活的手指运动能力，但却缺乏良好的音乐听觉和感知，要么相反。而接下来面对的另一难点是，技术的全面性。也就是说在肖邦27首练习曲中每一首都是不同的技巧形式，手指运动灵活的演奏者可能擅长快速音群跑动技术，却在八度和多声部技术上较为困难，有些在手指独立性、灵活性上根本达不到肖邦练习曲程度的演奏者因为手的构造以及力量的自然条件，在其中六度、八度的几首上却可以轻松应付。所以，以上这些情况都不能视为进入真正意义上高级阶段的钢琴演奏，也就是不能以可弹奏一部分属于这个阶段的作品作为衡量标准。因为高级阶段的演奏应是在完全胜任中级阶段的所有技术基础之上，还有良好的持续发展性的演奏，以肖邦练习曲来说，高级阶段的演奏应该具备可以将全套练习曲在不违背作曲家要求的速度及相关标准的大体原则下弹奏下来（并不一定在集中时间内），就基本可以称为具备全面完善的技术。

高级阶段还有一个明确标志，就是演奏的准确性，特别在进入20世纪以来，对钢琴演奏准确性的要求越来越高。在19世纪，演奏家们的现场演奏如果因音乐感染力的强调出现一些如错音、漏音等准确性上的失误，根本不被听众所在意，而现代演奏家的现场演出如果出现类似的准确性上的问题，则被视为演奏的不完整，使整个演出大打折扣。所以在当今钢琴演奏艺术审美原则下，演奏的准确性成为步入钢琴演奏高级阶段的必备条件。对于演奏中的准确性，同样有来自自然条件和后天练习程度两种因素的影响。这两种因素中当然还是自然条件，也就是先天因素的作用更显著（事实上，任何时候，它都是音乐从业者的首要条件）。有的人先天基因中就具备迅速运动、流畅连贯动作及协调支配的行为能力，他的神经系统充沛、活跃，足以支配他不假思索地、自然地实现准确到达，在他们的大脑皮层中，激发和制动过程能保持相对合理的均衡，从而保证他们非常自信地控制自己的身体活动。而这种生理特质又对演奏中的心理活动产生了正面的影响，使演奏者始终处于一种自信的、坚定的演奏心理状态。相反，演奏者肢体运动不够灵活、神经系统不够有活力和敏捷，则在演奏的准确性上面临较大的困难，并且造成心理上的压力。关于后天的练习是否可以达到弥补的效果，应该说弥补的程度还是与练习的强度成正比，但总体程度仍是有限的。在音乐艺术上，很多表现也都是具有两面性的。当演奏者大脑皮层的制动与激发完全平衡时，十分有利于准确性，但也有可能一定程度地抑制音乐表演中的感性素材部分，尤其是一些高度精神化的、敏感细腻的、内在体验性的以及极致的艺术性与创造性表达。这同样也是钢琴演奏高级阶段中更高层面的目标。

关于通过演奏表现音乐内涵与某种个性风格，首先要认识到，这是基于正确地理解与认识作品，并且已经客观地完成所有谱面要求的对音乐内容的诠释。但是，在这种情况下，进行某种内涵与个性的表现仍是十分危险的，这个我们在前一节的“演奏与作品”中已经作了一些说明。但是从艺术创作的角度而言，这个层面的表现又是必要的，所以演奏者必须具备对作品充分尊重的严谨的态度再加上成熟的技艺和丰富的经验。在处理上包含多项原则，如流派（时代划分与作曲技法派别划分）风格、体裁风格、地域风格、作曲家整体风格、作曲家年代风格、作品本身的内涵与风格。大多数时候需要将这些原则结合起来考虑，才能做出相对合理的、正确的风格处理。

最后，关于曲目量的积累，应该是高级演奏阶段的最后一个层次或者说是职业演奏家的基本任务。三百年钢琴艺术发展所留下的钢琴文献可谓浩如烟海，仅仅是古典音乐中的一些经典之作，演奏家耗尽一生也难以穷尽，更不用说浪漫主义晚期到20世纪，乃至当今的纷繁多元的大量有现代艺术价值的钢琴作品。从演奏自身的全面性、丰富性到满足听众的适应性、表演性，都需要大量地积累各个流派、风格、作曲家，以及不同形式、功能的曲目。这需要相当突出的记忆力天赋，以及此前我们谈到的所有音乐才能和演奏技术的最佳程度的集合。所以，如同任何一个其他学科或一门其他艺术，钢琴演奏越走到高级阶段越只能容纳少数人。

至于钢琴演奏的终极目标，或者说最高境界，可以从演奏作为表演艺术应该有某种表演者个人风格、个性的特征来看，而这种特征应该是一种在无数次真正意义上的完美音乐诠释的基础上，自然而然形成的一种让人感觉不到刻意雕琢修饰的、与音乐表现浑然一体的演奏者个人灵魂的体现。