在欧洲文艺复兴运动之前，基督教神学及其艺术观是保守的、神本主义和禁欲主义的，把人的肉体、感官、情欲说成是罪恶的渊薮，应予诅咒和抛弃，把人的自然人性异化出去成为敌视人的异己力量，一切美的事物都被视为魔鬼的诱惑，不能成为艺术表现对象。多神信仰的古代希腊曾经创造的丰富多彩的艺术被视为偶像崇拜和异教艺术而横遭禁绝。例如，古代艺术奇珍“维纳斯女神像”被贬为“女妖”予以破坏。在这种审美观点的支配下，绘画、雕塑、建筑艺术成为表现宗教道德的感性象征，蜕化为宗教教义的点缀物。即便如此，这种宗教艺术仍然难免厄运。在基督教的历史上，曾经不止一次地发生“圣像破坏运动”。8至9世纪，保罗派就开始否定偶像供奉。16至17世纪，加尔文教派等把废除圣物作为改革的内容。
文艺复兴运动兴起的人文思潮适应社会发展的需要反其道而行之，以人本主义代替了神本主义，认为艺术应该发现人、肯定人。这种对人的尊严和价值的自我意识，体现在艺术创造上就形成了新的审美观，认为人和自然应该成为文化艺术的主体，艺术应该展现人和自然美；否则，就不可能产生真正的艺术。正是这种人本主义观念以及在此基础上升华出来的审美情趣，才造就了文艺复兴时期辉煌的艺术成就。
圣彼得大教堂
位于罗马西北的梵蒂冈，是罗马天主教的中心教堂，欧洲天主教徒的朝圣地与梵蒂冈罗马教皇的教廷。
最后的晚餐 [意]达·芬奇
在建筑艺术方面，中世纪的教堂先后盛行罗马式和哥特式两种样式。罗马式教堂以其厚重的石造建筑及各种圆拱、穹隆而闻名，但其窗户狭小，因而教堂内部光线黯淡，显得幽幻、神秘，使人产生对神的敬畏感。哥特式教堂具有尖形的拱、棱状的窟窿、高大的花窗和复杂的装饰等特色，那拔地而起的堂身、插入天际的尖塔、光彩闪烁的花窗、繁复奇妙的建构，给人以一种神圣感。较之罗马样式，哥特式教堂具有神权至上的色彩。
文艺复兴运动之后，人文主义者开始排斥神至上的建筑样式，在教堂修建方面，自15世纪至17世纪之间出现了具有以人为本精神的文艺复兴样式。在建造教堂时，人们重新采用古希腊和罗马的形式，罗马式的圆顶穹隆和希腊式石柱不时在教堂建筑中得以显现。从教堂内部布局看，其特点是圣坛与圣殿相连，大厅面积以及其中的座位增多，内部装饰的气象更加世俗化。典型的例证是1506年动工、1626年竣工的罗马圣彼得大教堂。其堂身长212米，宽137米，呈十字架型，中殿高46米，圆顶直径42米，顶端十字架高达137米，全堂可容纳二万五千多人。为世界最大教堂。许多世界著名的建筑大师和艺术大师，如勃拉芒特、拉斐尔、米开朗基罗、桑迦洛、贝尔尼尼等都先后参加过教堂的设计、施工和装饰工作。宗教改革以后，新教简化礼拜仪式，其教堂建筑也趋于简朴，其风格是结构明快、造型简朴、清新淡雅。北欧与北美地区新教教堂多为此种样式，其中最著名的是美国纽约1892年奠基的圣约翰大堂和1930年建成的河滨大堂。
在绘画和雕塑方面，中世纪的作品，内容取材于《圣经》和基督教生活，艺术风格受早期基督教艺术影响，表现为公式化、象征化、抽象主义。作品中的主人公都是笼罩在神圣的光环之下，其宗旨是让人“领悟神性的真理”。文艺复兴运动之后，这种神本主义的艺术创作逐渐被人本主义所代替。艺术家放弃了象征、超脱的手法，题材虽然还是《圣经》故事、神话故事，但作品表现出来的是现实生活中人的精神面貌。一些作品以持久的艺术魅力成为世界性的文化遗产。
创造亚当 [意]米开朗基罗
《最后的晚餐》是达·芬奇创作于1495年至1497年之间的一幅壁画，其内容取材于《圣经》福音书中犹大出卖耶稣的故事。画面描绘耶稣与十二门徒共进晚餐的情景，内容是耶稣说出“你们当中有一个人要出卖我”这句话时，门徒们表露出了迥然不同的神情。有的惊讶、有的愤怒、有的悲叹、有的痛心、有的表白、有的询问，显现出鲜明的个性特征。整个画面犹如精心摄取的戏剧高潮的镜头。为了突出耶稣的形象，作者使一切透视线都集中在耶稣头上，位于画面中心的耶稣泰然自若，庄重静穆，在背后窗户明亮光线的映衬下，显得光明磊落。这幅画作的内容实际上是世俗生活的缩影和世俗人生的再现，在表现手法上臻于完美，是世界绘画史上的杰作。
《创世纪》是米开朗基罗于1508年至1512年在梵蒂冈西斯廷小教堂顶壁所绘的一组图画。共有三百平方米的面积。取材于《旧约·创世纪》。内容分为三组。第一组为“上帝创造宇宙”，三幅画；第二组为“上帝创造人类”，三幅画；第三组为“洪水与挪亚故事”，三幅画。其中最著名的是第二组中的《创造亚当》。作者抛开传统宗教画的老套，把人文主义理想赋予了画中人物。他把亚当画成一位身材魁伟、体格雄健、具有深沉力量的青年，而把上帝画成一位既威严又慈祥的老人。老人把手伸向亚当，相应之下，充满生机和活力的亚当似从梦幻中醒来，即将在瞬间站立起来，获得巨大的生命活力和光荣使命。
《最后的审判》是米开朗基罗于1534年至1541年为西斯廷小教堂所作的祭坛画。这幅画以《新约》中“最后的审判”为主题，围绕中心人物耶稣基督巨像刻画了四百多个不同姿态和大小的人物。他们有的欢快，有的欣慰、有的升腾、有的沉落、有的呻吟、有的悲恸、有的挣扎，神情各异，惟妙惟肖。米开朗基罗打破了中世纪教会的禁欲主义，借宗教题材来表现人体美，所画人物多为裸体。遗憾的是，罗马教廷当局拒不接受，派画家伏尔泰拉为人物“穿”上了裤子。1596年，教皇克莱门特曾想销毁此画，只因当时画家们极力反对，才使之保留至今。(https://www.xing528.com)
最后的审判 [意]米开朗基罗
《教权的建立和巩固》是拉斐尔自1508年至1511年为梵蒂冈宫教皇签字大厅所创作的一组装饰壁画。作者在大厅顶棚的四块三角形空间中画了位于圆形构图之内象征《神学》、 《法学》、《哲学》和《诗学》的四个人物形象，并在每个人物下面的墙壁上画了顶端呈半圆形构图的相应壁画。这组壁画高度概括了西方文化的主要因素和发展历程，其构思布景也被视为文艺复兴绘画艺术的典范和楷模。
《西斯廷圣母》是拉斐尔于1513年为皮亚琴察西斯廷教堂祭坛所作的一幅画。画中圣母玛利亚抱着幼小的耶稣从云端徐徐而降，两帷幕刚刚拉开，左边身着金色锦袍的教皇西斯克特向圣母圣子做出欢迎的姿势，对面的女信徒渥娃拉跪立一旁，流露出崇敬恭顺之情。画面充分表现了圣母温柔、贤淑、秀美、高雅的情态风度，洋溢着甜美、悠然的抒情韵味。拉斐尔所画包括这幅作品在内的50幅圣母像，都是选择了最美的女人做模特，他着意表现女人的人体美、儿童的天真可爱和母子之间的人性关爱。
西斯廷圣母 [意]拉斐尔
大卫像 [意]米开朗基罗
圣母哀悼耶稣 [意]米开朗基罗
《摩西像》是米开朗基罗于1513年至1516年创作、立于罗马圣彼得大教堂的一座坐姿大理石雕像。摩西是《旧约·出埃及记》中记载的古代以色列民族的英雄。是他带领其民族摆脱了埃及法老的奴役，在西奈山领得上帝“十诫”，开创了以色列民族历史新纪元。作品中，长垂卷曲的美髯刻画了摩西的德高望重，头顶的双角象征着他非凡的灵性，右手紧握两块“十诫”石板代表他对律法的维护，那凛然的目光显示出他对不义之举和民族败类的忿恨和谴责，那强健发达的筋肉则表达了他的大智大勇。这尊形象逼真感人的雕像为作者赢得了崇高声誉。
《大卫像》是米开朗基罗创作于1501至1504年的大理石雕像。取材于《旧约》以色列少年大卫的故事。这件作品被誉为雕塑史上的巅峰之作。它通过细腻的肌肉纹理，完美而又健壮的体态，高雅果敢的面貌来表现大卫的精神状态：他面对可怕的巨人歌利亚，准备战斗，鼻孔略张，眉毛紧缩，高度兴奋而又有些缺乏自信，略显紧张。无论是形体的塑造，还是精神的表现，都是完全人性化的。正是因为作品艺术地表现了生动的社会生活和真实的人性，才使之具备了震撼人心的艺术效果，成为永恒不朽的杰作。
《圣母哀悼耶稣》，是米开朗基罗于1498年至1500年为罗马圣彼得大教堂所作的雕像。当时作者才二十多岁。雕像根据《新约》中玛利亚哀悼耶稣蒙难的情节，表现了圣母在失去爱子后的无限悲痛与伤感。作品不仅给人以肃然起敬的神圣之感，而且有着一种浓郁的人情味与淡雅的艺术韵味。作品被誉为“罗马最美丽的大理石雕像”。
意大利的文艺复兴是世界各民族文化复兴的起点，不仅在当时西方世界各国掀起了破除宗教精神束缚、创造新时代文化艺术的新浪潮，而且在此后几百年的时间里影响着世界许多民族文化艺术的发展。
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