写实绘画步骤及技巧-外景写生

一、素描纸要求

素描纸要求：从素描纸克数较厚、质地坚实为好，必须将画纸裱在画板上。

二、减弱绘画性，强调雕塑性

文艺复兴时期盛行写实绘画，米开朗基罗、丢勒的作品是雕塑性的绘画而不绘画性的绘画，这与他们同时是雕塑家或版画家有密切的关系。他们的绘画语言和形体融为一体，有强烈的雕塑感、浮雕感。随着绘画技巧逐渐成熟，曾有人对绘画语言与自然形象分离的趋向提出过警告。对写实绘画来讲，语言与形象的分离既是发展的必经之路，也是由盛而衰的开始。用大量的时间作线描练习，就是培养画家用单纯的线条来传达出对形体的感觉，“线”在这里并非是简单的轮廓，也不追求独立的审美欣赏价值，只是为“塑形”服务，完成对结构、形体的把握，继之加强对于明暗的练习，也将区别于“三大面、五大调子”的传统方法，要求大家把对象理解成一个流动的形体，如同织毛衣一样，为这个活的雕塑织上一层紧紧贴在它上面的皮，不分主次、亮暗面，每个地方都是整体。如同用一块泥，一个体积一个体积地去塑造对象，如图8-13所示。

写实绘画首先要将造型弄得清楚明白。但是，真正弄明白、弄清楚是很不容易的事。正确的方法是用很直接的、不拐弯抹角、很有针对性的理念去画，因为只有这样才能抛弃那些需要整合的东西，才能全神贯注，画出的物体才最真切。比如，为了弄清手的结构，就用集中的时间专门画手，直到画明白为止。再比如，为了排除比例对结构的干扰，让学生练习将对象拉长或加宽（当然不是等比例的），只看结构，不看比例。结果形体的外形虽然变了样，但结构依然准确，依然与对象很“像”。王华祥强调结构，并把它推向极致。他强调对象的雕塑感、物质感，亮与暗在他的观念中已不是光影的概念，而是形的概念，对象是由一个一个的“小形”组成的“大形”；他强调画者的感觉，不要刻意去找、去“死”画，要忠实于自己的感觉。在他的结构理论中，形象是第一的，形状是第二的，轮廓是第三的，这与一般结构素描首先注重轮廓的准确性是有很大差别的。通过这样一段时间的观察和训练，对培养个人敏锐的目光和感觉有着积极的意义。这种个人意识强的训练方法，自然而然就会把一些个人特点、趣味性的东西凸显出来。

图8-13　外景写生（高永利）(www.xing528.com)

三、抛弃几何、比例

捕捉“形”的方法，改变观念，用直接、实在、具体的手段塑造对象。有些体会很难用语言表达，必须亲自去实践，在具体操作的过程中会有真切的感悟。当然，排除痼疾是痛苦的，然而，在学会直截了当的观察后，眼前的迷雾就会渐渐消除，对象一天比一天清晰了。画前的景物再繁杂也无所谓，因为知晓如何去选择，就向真正的素描贴近了，如图8-14所示。

图8-14　湘西实景写生（高永利）

四、调整画面节奏

一幅好的素描就是一件独立甚至是伟大的艺术品，丢勒的那双手就是伟大的经典。因为这种没有明暗和投影的画法是最原始、最自然的，也不需要人为地去布光准备，从而在造型方面纠正了许多偏颇，“看形体不看明暗”，既围绕形体来画，从认识到方法到观念都是求实抓本，把画者带到最初的源头，面向自然、面向本质、面向实实在在的东西。理念清楚了，手也就跟上了。素描的绘画语系是通过长期与物象的“交流”形成的，它不是主观臆造，而是将生活中最真实的感受注入画中，是需要贴近自然最本质的层面，从“像”到“传神”需要一种“定力”的牵引，心气浮躁是不可取的。对造型的研究是一个画家一生都不能放松的课题，不断补充自身的能量是画家不可或缺的必然。因为，没有体现出结构和形体的东西永远都是软弱无力的，没有感悟到生活和人生的作品永远都是索然无味的。由此，当大千世界的众多景象映入我们视线时，我们还需要游历在理性与情感的“交织地带”，培养出善于发现的眼睛和技法熟练的双手，在实践和体会艺术规律共性的同时，逐渐培养自己具有独特艺术个性的画法。迁想妙得，借景生情。抓基础，重原始，只有画得真实、传神才最能立得住。因为只有真实地再现事物最本质的东西才最有情趣，才最传神。